Archivio annuale 4 Dicembre 2021

Archiviato il dopoguerra, mentre la società si fa sempre più complessa, emergono le necessità dei nuovi protagonisti della cultura: i giovani, gli operai, le donne. Sono i prodromi dei movimenti di protesta del 1968, di cui il cinema si farà portavoce mettendo in discussione la cinematografia tradizionale, ormai troppo lontana dalla realtà.

In particolare in Francia, negli anni ’60, si assiste alla nascita di un nuovo movimento cinematografico che verrà definito “nouvelle vague” dai giornalisti. Stanchi del vecchio cinema francese, caratterizzato da un forte distacco dai problemi quotidiani, giovani cineasti come François Truffaut e Jean-Luc Godard si mettono al lavoro per mostrare alle nuove generazioni un modo di fare cinema più fedele alla realtà della vita nelle strade delle città.

È un movimento cinematografico di rottura che mira a schernire il passato nelle sue forme autoritarie, mostrando una sincerità mai vista prima d’ora: la giovane età dei registi, la stessa dei ragazzi della Francia dell’epoca, crea un immediato legame col pubblico a cui si rivolgono; anche se girati con poche risorse, i loro film aprono le pagine del diario intimo di una nuova generazione che ribolle sotto la sua apparente disinvoltura e può finalmente vedere se stessa sullo schermo.

La nouvelle vague vive di scelte poetiche e stilistiche figlie in parte del neorealismo italiano: le sceneggiature sono aperte, pronte a essere contaminate dall’improvvisazione, le riprese vengono fatte all’aperto o in interni non ricostruiti. Rispetto a Hollywood, è un cinema nuovo, fresco, diretto, spontaneo e immediato, che rimette in discussione i canoni del linguaggio tradizionale. Mentre i film statunitensi nascondono il mezzo cinematografico, i registi francesi cercano di rivelarne la presenza attraverso la rottura delle regole. Così in “Fino all’ultimo respiro” Jean-Paul Belmondo parla direttamente alla telecamera durante il suo monologo.

Accanto alla produzione cinematografica tradizionale, si è sviluppato il cinema d’animazione, favorito dall’introduzione del sonoro. Il primo cortometraggio di questo genere risale al 1928: si tratta di “Dinner Time”, diretto da Paul Terry. Nonostante il poco successo, trova un importante ammiratore e imitatore in Walt Disney, che solo tre mesi dopo presenterà sullo schermo il personaggio di Topolino proiettando “Stemboat Willie”.

Disney intuisce subito l’importanza della musica per i suoi cartoni animati, così inizia a perfezionare la tecnica che verrà chiamata Mickey Mousing, sperimentando sul sonoro attraverso la sincronia tra le azioni sullo schermo e gli effetti sonori (suoni onomatopeici e musica di accompagnamento). Con i fondi del produttore Pat Powers, produce e distribuisce Cinephone, un sistema di sincronizzazione sonoro.

Il successo di “Stemboat Willie” lo spinge a sonorizzare anche i due precedenti capitoli dedicati a Topolino, creando una perfetta sinergia tra l’immagine animata e gli effetti sonori. Manca un ultimo tassello, il colore: Disney utilizzerà il processo di colorazione a tre colori della Technicolor per il suo cartone animato del 1932 “Flowers and Trees”, che vincerà l’Oscar in qualità di miglior cortometraggio d’animazione, segnando l’inizio della fortuna degli Walt Disney Studios.

In principio vi fu “Biancaneve e i sette nani”, il primo lungometraggio di animazione in grado di rivaleggiare il cinema classico. È un’impresa storica che Walt Disney realizzò pensando già al futuro, con altri film pronti a essere realizzati grazie all’uso delle migliori tecnologie del settore. Fra questi rientra “La carica dei 101”, realizzato in modo innovativo utilizzando lucidi fotocopiati anziché i disegni di ogni fotogramma.

“Chi ha incastrato Roger Rabbit?” è uno di quei film che ha catturato l’immaginario di più generazioni. Mescolando sapientemente animazione e live action, la pellicola esce alla fine degli anni ’80, in un periodo in cui il pubblico sembra aver perso interesse per i cartoni animati. L’esperimento è notevole perché si avvale di un cast di personaggi d’eccezione, provenienti dai più disparati studi di animazione.

“La città incantata” è il bellissimo lungometraggio d’animazione di Hayao Miyazaki vincitore del festival di Berlino nel 2002 e dell’Oscar come miglior film del suo genere nel 2003. Consacra definitivamente l’immaginario culturale giapponese in occidente.

A rivoluzionare il genere a metà degli anni ’90 è “Toy Story”: realizzato dalla Pixar in computer grafica, incanta ragazzini e adulti di tutto il mondo con una narrazione sofisticata e delle immagini virtuali che indicano la strada da seguire per concepire in modo nuovo l’animazione.